美術館で一枚の絵の前に立ち、「なぜこれが名作なのか分からない」と感じたことはありませんか？映画を見ながら「このシーンはなぜこんなに怖く感じるのか」と疑問に思ったことは？芸術学は「芸術とは何か」「どうやって分析し、鑑賞するか」を問う学問です。本講義では美術・音楽・映画・デザインという四つの分野を概観しながら、芸術を読み解く目と耳を育てます。
ねらい — 美術は時代の価値観や世界観を「見える形」にしたものです。
西洋美術の流れをざっくりたどると——古代ギリシャ・ローマの彫刻（人間の理想的な肉体を表現）→中世の宗教画（神の栄光を描く、遠近法なし）→ルネサンス（遠近法や人間の感情の発見）→バロック（劇的な光と影）→印象派（光の変化と「その瞬間」を捉える）→現代の抽象・コンセプチュアルアートへと変化してきました。「絵が上手い＝細かく描ける」という考え方が崩れ、「何を表現するか・なぜそれを芸術と呼ぶのか」という問いが中心になったのが現代美術の大きな転換です。
東アジアにも独自の美術の伝統があります。中国の山水画は単なる風景画ではなく、自然との一体感という哲学的理想を描いています。江戸時代の浮世絵は当時の大衆文化を鮮やかに映し、後にモネやゴッホにも影響を与えました。20世紀以降は東西の美術が互いに影響し合い、「西洋＝基準、東洋＝周辺」という見方そのものが問い直されています。
ねらい — 音楽はなぜ人を感動させるのか——音の組み合わせと意味を科学的に問います。
音楽学（おんがくがく）は音楽を学術的に研究する分野です。歴史音楽学は楽譜や記録をもとに、バロック（バッハ）・古典派（モーツァルト、ベートーベン）・ロマン派（ショパン、ワーグナー）の流れを研究します。民族音楽学（エスノミュージコロジー）はアフリカの太鼓、インド古典音楽、沖縄の民謡など世界各地の音楽を、その文化的文脈の中で比較研究します。「どちらの音楽が優れているか」ではなく「それぞれの文化でどんな役割を果たしているか」を問います。
音楽理論は音楽の構造原理を扱います。調性（「ドレミ…」の音階を中心に安定感を作る仕組み）、和声（複数の音を同時に鳴らして和音を作る）、対位法（複数のメロディを同時に組み合わせる技術）などが基本です。20世紀以降はシェーンベルクによる無調音楽（調性を意図的に壊す）、テクノやヒップホップなどポピュラー音楽の研究も重要な領域になっています。
ねらい — 映画は「光の芸術」であり、20世紀が生み出した最も影響力のある表現媒体です。
映画は1895年にフランスのリュミエール兄弟が初めて公開上映して以来、サイレント映画・トーキー（音声付き）・カラー・ニューシネマ（1960〜70年代の実験的映画）・デジタルと約130年で進化してきました。映画学は映画を「芸術・産業・文化・社会現象」として総合的に研究します。同じ「スパイダーマン」でも、흥행収入の観点から見るか、映像技術として見るか、社会が求めるヒーロー像として見るかで、全く違う研究になります。
映画を分析するときの基本要素は四つです。ショット（カメラが切らずに撮影した単位）、編集（ショットをつなぐ方法）、ミザンセン（画面内の構図・光・色・人物配置）、サウンド（音楽・セリフ・効果音）。ホラー映画がなぜ怖いかは、この四つの組み合わせで説明できます。ソビエトのエイゼンシュテインは「ショットとショットをつなぐだけで、全く新しい意味が生まれる」というモンタージュ理論を提唱しました。
ねらい — 毎日目にするスマートフォンのUI、駅のサイン、広告——これらすべてがデザインの産物です。
デザインは純粋な美術（見るためのもの）と違い、「機能・使いやすさ・見た目」の三つを同時に考える実践的な営みです。19世紀末のウィリアム・モリスは工業化による粗悪な大量生産に反発して「生活の中の美しさ」を取り戻そうとしました（アーツ・アンド・クラフツ運動）。20世紀初頭のドイツのバウハウスは「美しいものは機能的でもある」という原則で、現代デザインの基礎を作りました。IKEAの家具や東京のサインシステムに、その影響が今も見られます。
ビジュアルカルチャー研究は、絵画や映画だけでなく、SNSの写真、ゲームの画面、広告、マンガ、街中の看板まで「見る文化」全体を批判的に分析します。たとえば化粧品広告の女性の描き方は、社会が女性にどういうイメージを期待しているかを反映しています。「見えているものを当たり前に受け入れる」のではなく「これはなぜこう見えるのか」と問うのが、この分野の出発点です。